PROGRESSIVE ROCK. '70/ '80/ '90 e oltre - Neo Prog. Psichedelic Prog. Heavy Prog. Crossover Prog. Symphonic Prog. Italian Progressive Rock. Eclectic Prog. Rock.
(QUESTA MUSICA TI SALVERA' LA VITA)
G E N E S I S M A R I L L I O N
Interessante storia raccontata dalla stessa voce di Ronnie Gunn. Un passato vissuto tra alcuni futuri Genesis già dalla dine degli anni '60 che, a distanza di 30 anni a prodotto questa raccolta di brani emblematici che li avevano ispirato nel periodo d'oro del rock progressivo.
Quando Peter Gabriel e io decidemmo di vivere a Londra, mi disse che un suo amico aveva un appartamento che avremmo potuto condividere. Ovviamente dovevamo andare tutti d'accordo, ma siccome di solito non sono uno che si lascia ammaliare al primo incontro, andai a trovare questo amico con un po' di trepidazione: Fortunatamente, con David Thomas trovai qualcuno che poteva essere quasi altrettanto testardo e irritante quanto me. Finimmo per condividere per quattro anni e mezzo l'appartamento e da allora siamo amici: Ora siamo entrambi più ammorbiditi. Durante la realizzazione del primo LP dei Genesis"From Genesis To Revelation" abbiamo avuto venti persone che soggiornavano nel nostro appartamento, e sono venute tutte in studio. Il loro contributo sopravvive principalmente nei battiti di mani nella canzone "In Limbo". David stesso, tuttavia, è molto presente tra le voci di supporto, e in particolare come armonia con la voce principale in "In The Wilderness". Durante le estati del 1968 e del '69, i genitori di David ci hanno fatto un giro a casa loro per le prove. Mentre era ancora a scuola, David cantava in una band, "The Spoken Word", che suonava durante le vacanze. Questo gruppo comprendeva, tra gli altri, i primi membri dei Genesis , Anthony Phillips alla chitarra e Peter Gabriel alla batteria e un amico di scuola di David, Ronnie Gunn, al pianoforte. Si erano sciolti quando vivevamo a Londra, ma David e Ronnie continuarono a suonare insieme. La speranza era che altre persone registrassero le loro canzoni, ma come abbiamo scoperto, questo può essere molto difficile, in particolare con materiale leggermente più complesso; quindi è fantastico che ora sia possibile per le persone ascoltare finalmente questa musica. I primi demo su questo CD risalgono al 1973 e sono stati registrati a casa dei genitori di Anthony Phillips nel Surrey e nel nostro vecchio appartamento. Le registrazioni successive furono fatte a casa di David a Putney, dove David registrò anche i primi demo di Peter Gabriel della sua carriera da solista post Genesis. A quei tempi il piede che batteva di Ronnie era leggendario perché era sempre in un tempo completamente diverso dalle sue mani sul pianoforte. Tuttavia, non rovinava l'efficacia del risultato, specialmente quando accompagnava la sua voce. Non avendo sentito nessuna di queste canzoni per vent'anni o giù di lì, è incredibile quanto bene ne ricordi alcune. Le preferite includono "Give My Love To The Future", "Walk To The Water" e "I Know She Danced".
Formazione di culto del rock progressivo, con Robert Fripp che fa da fulcro attorno alle innumerevoli formazioni succedutesi sin dall'album d'esordio ( In the court of the Crimson King ) autentica icona del prog mondiale. Per questo secondo album, Fripp chiama a Se, jazzisti del calibro di Keith Tippet e Mel Collins e favorisce il ritorno di Pete Giles e Gordon Haskell, seconda voce. Il risultato è ottimo, il disco ancora più complesso e pretenzioso del precedente, lancia le basi di quello che sarà poi il sound della band. Non c'è spazio per le improvvisazioni, ogni singolo suono sembra pesato con il bilancino degli orefici, niente è suonato per caso , è una meravigliosa mistura di Art Rock Progressivo Sinfonico.
Se sei stato un fan dei Genesis non potrai fare a meno di conoscere questo disco. E' semplicemente fantastico, gli intrecci sonori delle tastiere di Stewart Bell, oltre che al timbro dannatamente Trespass e Nursery Cryme, la chitarra di Alistar MacGregor, la perfezione degli arrangiamenti, la sezione ritmica sostenuta dall'impeccabile lavoro di Andy Gilmour al basso e Nick Arkless alla batteria e il timbro 'Gabriel' vocale di George Scott "Cyrus" ci riportano indietro all'età dell'oro del progressive rock barocco e romantico, dove eleganza e ricercatezza erano le caratteristiche principali che contraddistinguevano ogni passaggio strumentale.
TRACKS LISTING
1) Jonny Had Another Face / Parallel Lines (10:30)
2) Junk and Donuts / An Afterthought (9:20)
3) To Dance the Enamel-Faced Queen / Beyond the Boundaries (10:25)
4) Somewere but Yesterday / A Word in Your Ear (25:40)
a - Owls
b - Obssessions
c - The Ballad of Creepy John
d - Echoes - The Labyrinth Penumbra
e - All the Sin's Men
f - Farewell
g - A Word in Your Ear
5) Strange Barbarians / The Mother's Shroud (11:50)
Symphonic Prog (Genesis style by Gabriel) Un vero capolavoro.
Citizen Cain
DISCOGRAFIA:
1) Serpent in Camouflage (1992)
2) Somewhere but Yesterday (1994)
3) Ghost Dance (1996) Album postumo con brani degli anni '80
Rarissimo album dei greci Apocalypsis dei primi anni '80. Questo è il 2° album del gruppo. Il genere è un prog sinfonico tastieristico vicino ai Greenslade , con le tastiere in primo piano a dialogare con voce e chitarre. Album interessante. Molto più interessante l'omonimo album del 1980 che vi proporrò quanto prima.
Tornare indietro di cinquanta'anni per ricordare un capolavoro
Questo è il primo lavoro omonimo dei Pierrot Lunaire. Uno dei lavori più genuini del progressive made in Italy. L'album contiene 12 brani di soft - Symphonic prog con atmosfere d'avanguardia , basate su chitarre acustiche e tastiere varie, riducendo al minimo le parti di batteria (soltanto in "Invasore" e "Sotto i Ponti") il disco è godibilissimo e le belle atmosfere dolci, melodiche e sognanti non ne fanno mai rimpiangere la mancanza.
Il gruppo si forma a Roma fra amici di vecchia data, Gaio Ghiocchio e Vincenzo Caporaletti, con l'inserimento in formazione del tastierista Arturo Stalteri, la singolare scelta stilistica/strumentale fa di questo disco un capolavoro unico ed inimitabile. CONSIGLIATISSIMO.
01 - Ouverture XV
02 - Raipure
03 - Invasore
04 - Lady Ligeia
05 - Narciso
06 - Ganzheit
07 - Verso Il Lago
08 - Il Re Di Raipure
09 - Sotto I Ponti
10 - Arlecchinata
11 - La Saga Della Primavera
12 - Mandragola
I The Flower Kings, una delle band più influenti del progressive rock, hanno continuato a evolversi e a innovare dal 2000 in poi. Con un suono caratteristico che combina melodie affascinanti e complessi arrangiamenti musicali, la band ha attratto un pubblico sempre più vasto. I membri della band hanno esplorato nuove sonorità e tematiche, contribuendo alla loro crescita artistica. Questo mio post fornisce una breve analisi della loro produzione musicale recente e dell'impatto che hanno avuto nel panorama musicale contemporaneo.
Prima di "Space Revolver", la band ha pubblicato album significativi come "Back in the World ofAdventures" nel 1995, "Retropolis" nel 1996, "Stardust We Are" nel 1997 e "Flower Power" nel 1999. Questi lavori hanno posto le basi per il loro suono distintivo, caratterizzato da lunghe suite musicali e arrangiamenti intricati. Con "Flower Power", la band ha ulteriormente ampliato le proprie sonorità, affrontando temi filosofici e sociali. Ogni album ha visto una progressione nella produzione e nella scrittura dei testi, cementando la reputazione della band nel genere del rock progressivo.
Album imperdibili pubblicati dopo il 2000
Space Revolver (2000): un'opera che segna una transizione verso sonorità più moderne.
The Rainmaker (2001): un album che vede un ritorno a melodie più classiche del loro repertorio.
Unfold the Future (2002): caratterizzato da una forte impronta jazz e sperimentale.
Adam & Eve (2004): un lavoro che riflette temi più maturi e personali.
Paradox Hotel (2006): la band con questo lavoro ha sperimentato ulteriormente, introducendo nuovi elementi sonori e testi introspettivi.
Waiting for Miracles (2019): album fondamentale, che mostra nuove innovazioni e collaborazioni.
Altri lavori: The Sum Of No Evil (2007), Banks of Eden (2012), Desolation Rose (2013), Islands (2020), By Royal Decree (2022) e Look At You Now (2023)
Dal 2000. i The Flower Kings hanno visto un'evoluzione del loro stile musicale, incorporando elementi di jazz fusion, rock progressivo classico e persino influenze pop. Questa fusione di generi ha reso la loro musica ancora più accessibile e interessante per un pubblico variegato. Con la crescente complessità delle composizioni, i membri della band hanno anche ampliato il loro arsenale strumentale. La sezione ritmica è diventata più dinamica e sfumata, mentre le tastiere hanno assunto un ruolo predominante, creando paesaggi sonori ricchi. La loro abilità di mescolare armonie vocali e strumentali rimane una marchio di fabbrica.
Analisi dell'album "Space Revolver"
"Space Revolver", pubblicato nel 2000, è un'opera importante nella carriera dei The Flower Kings. L'album presenta brani iconici come "I Am The Sun (part one e Two)" e "Monster Within" che combinano melodie accattivanti con strutture complesse. Le sonorità spaziali e i temi di esplorazione dell'universo riflettono l'ambizione creativa della band in questo progetto. Ogni traccia si distingue per l'uso di strumenti solisti e armonie vocali, creando un'atmosfera immersiva e coinvolgente per l'ascoltatore.
Temi e sonorità del disco
In "Space Revolver", la band esplora temi di esistenza, coscienza e l'inesauribile ricerca della verità. La produzione sonora e caratterizzata da una fusione di elementi rock e prog, con influenze psichedeliche che emergono in diverse tracce. La chitarra di Roine Stolt e le tastiere di Tomas Bodin sono al centro di ogni composizione, offrendo sia momenti di intensa grazia che esplosioni di energia sonora. Quest'album rappresenta un'importante evoluzione nel sound della band, evidenziando la loro capacità di sfidare le convenzioni musicali.
In conclusione, "Space Revolver" non è solo un capolavoro musicalmente, ma un'eco duratura del genio dei The Flower Kings. Le sue tematiche e sonorità sono ancora rilevanti, dimostrando l'universalità della loro musica. Rimanendo un punto di riferimento, l'album continua a ispirare nuove generazioni di musicisti e ascoltatori, garantendo la sua eredità nel mondo della musica.
Tracklist:
01) I Am The Sun (part one) 15:03
02) Dream On Dreamer 2:43
03) Rumble Fish Twist 8:06
04) Monster Within 12:55
05) Chicken Farmer Song 5:09
06) Underdog 5:29
07) You Don't Know What You've Got 2:39
08) Slave To Money 7:30
09) A Kings Prayer 6:02
10) I Am The Sun (part two) 10:48
Line-up
Hasse Froberg -Voce solista e cori, Chitarra acustica
Tomas Bodin -Pianoforte, Organo, Mellotron , Sintetizzatore
Roine Stolt - Chitarra , Basso, Voce solista e cori
I Transatlantic sono una band di progressive rock formata nel 1999, composta da membri di rinomate band come Spock's Beard, Dream Theater, The Flower Kings e Marillion. L'idea di unirsi è nata dalla passione condivisa per la musica colta e le sonorità ricche. Il gruppo è composto da Neal Morse, Mike Portnoy, Roine Stolt e Pete Trawavas, ognuno portando il proprio stile distintivo e la propria esperienza musicale. La loro musica è caratterizzata da esperimenti audaci e una fusione di vari elementi del rock progressivo. Con il loro secondo album "Bridge Across Forever", hanno ulteriormente espanso il loro suono e la loro visione artistica. Questo lavoro rappresenta non solo una collaborazione tra musicisti talentuosi, ma anche una vera e propria celebrazione della musica Prog.
Composizioni principali e la loro influenza
Neal Morse, noto per le sue capacità di composizione e l'approccio eclettico al pianoforte, è la voce principale e ha un ruolo cruciale nella scrittura dei testi. Mike Portnoy, batterista di fama mondiale, è famoso per il suo stile energico e le sue complesse sequenze ritmiche. Roine Stolt, chitarrista e cantante, porta un tocco melodico influenzato dal rock scandinavo, mentre Pete Trewavas, bassista, aggiunge profondità armonica e groove. Insieme, questi musicisti mescolano le loro esperienze, creando un suono inconfondibile, ricco di armonie vocali e complessi arrangiamenti strumentali. Ogni membro contribuisce in modo significativo, rendendo il lavoro di gruppo una vera sinfonia di talenti.
Evoluzione musicale e stili distintivi
Nel corso degli anni i Transatlantic hanno evoluto il loro stile musicale, incorporando elementi di Rock, metal e musica classica. Il loro approccio fluido e sperimentale ha definito il loro suono distintivo, caratterizzato da brani lunghi e intricate strutture musicali. "Bridge Across Forever" è un esempio perfetto di questa evoluzione, dove i temi musicali e lirici si intrecciano in un viaggio sonoro esclusivo. L'album presenta complesse dinamiche musicali, con parti di tastiere elaborate, assolo di chitarra avvincenti e sezioni ritmiche pulsanti. Questo mix di influenze crea un'atmosfera unica che contraddistingue la band nel panorama del progressive rock.
Analisi dell'album "Bridge Across Forever"
Pubblicato nel 2001, "Bridge Across Forever" offre una combinazione di brani epici e momenti più intimi. Il Brano di apertura "Duel With The Devil" è un viaggio musicale che si estende per oltre 26 minuti, affrontando temi di conflitto e resa. Altri brani come "Stranger in Your Soul" e "Bridge AcrossForever" mostrano la maestria collettiva del gruppo, con sezioni che richiamano momenti di grande intensità emotiva. Le melodie accattivanti e gli arrangiamenti complessi non solo catturano l'orecchio, ma invitano anche l'ascoltatore a riflettere più a fondo sul contenuto dei testi. "Bridge Across Forever" è dunque un'opera di grande respiro, dimostrando la capacità della band di unire tecnica e emozione.
Tematiche e testi di brani
I testi di "Bridge Across Forever" affrontano una varietà di temi, dall'amore e la perdita alla ricerca del significato della vita.I brani riescono ad esplorare le complessità delle relazioni umane attraverso metafore e narrazioni evocative. La presenza di un forte messaggio di unità e connessione traspare chiaramente, creando un legame profondo con l'ascoltatore. Le melodie, unite a testi potenti, offrono un'esperienza di ascolto che è tanto intellettuale quanto emotiva. Questa capacità di fondere testi significativi con una musica altrettanto complessa è una delle chiavi del successo dei Transatlantic.
Impatto e ricezione da parte del pubblico e della critica
In conclusione, "Bridge Across Forever" non è semplice album; è un capolavoro che riflette la passione e la creatività di una band davvero unica. I Transatlantic hanno dimostrato che il rock progressivo può essere sia complesso che accessibile, creando brani che sfidano il tempo e invitano alla riflessione. Attraverso un mix di competenze musicali e testi potenti, hanno inventato una narrativa musicale che continua a risuonare con i loro ascoltatori, rendendo la loro musica un viaggio emozionante da intraprendere.
Il panorama musicale contemporaneo ha trovato una nuova gemma nella forma della 'Neal MorseBand', il cui album "The Similitude of a Dream" ha catturato l'attenzione di numerosi appassionati e critici. Quest'opera monumentale è più di un semplice insieme di melodie; rappresenta un viaggio sonoro e narrativo profondo e complesso. La band unisce talenti eccezionali e diverse influenze, creando un sound unico che trascende i confini del genere. All'interno di questo contesto, verranno esplorati i vari elementi che compongono questa produzione, dal background della band alle tematiche affrontate nell'album stesso.
La Formazione della Neal Morse Band
La Neal Morse Band è composta da musicisti di alto calibro, ognuno con un proprio percorso artistico. Neal Morse, già noto per il suo talento compositivo e la sua versatilità, guida la band non solo come cantante principale ma anche come tastierista. Accanto a lui, troviamo Mike Portnoy alla batteria, nome leggendario nel panorama progressive rock, noto per il suo stile energico e innovativo. Inoltre, completano la formazione, Eric Gillette alla chitarra e voce, Randy George al basso e Bill Hubauer alle tastiere e ai cori, portando con se un bagaglio artistico ricco di esperienze. Questa combinazione di talenti contribuisce significativamente alla complessità dell'album.
Ogni membro della Neal Morse Band gioca un ruolo cruciale nel creare l'atmosfera distintiva dell'album, Mike Portnoy non è solo un batterista, ma una forza creativa che influisce notevolmente sula struttura dei brani. Randy George, con il suo groove potente, aggiunge profondità ai brani, mentre Bill Hubauer e Erik Gillette con le loro armonie arricchiscono la tessitura musicale. Le interazioni tra questi musicisti sono significative, creando un dialogo musicale che rende ogni traccia un'esperienza unica. La chimica tra loro è palpabile, rendendo l'ascolto dell'album ancora più coinvolgente.
Stili Musicali e Influenze
"The Similituda of a Dream" è caratterizzato da una fusione di stili musicali, attingendo dal rock progressivo, dal rock sinfonico e dalle influenze del jazz. L'approccio eclettico della band si riflette nella varietà di sonorità e melodie, che si intrecciano per creare un'esperienza musicale complessiva travolgente: Gli amanti del prog rock troveranno elementi riconoscibili tratti da band storiche, ma con una freschezza che rende l'album unico nel suo genere. La capacità di Neal Morse di mescolare influenze diverse senza perdere la propria identità è una delle chiavi del successo di questo prodotto.
Tematiche dell'album
La struttura di "The Similitude of a Dream" è organizzata in una successione di brani che si intrecciano narrativamente. Ogni traccia offre una nuova prospettiva e si costruisce su quella precedente, contribuendo a formare un concept album coerente. Il lavoro è diviso da 2 parti, ognuna con diverse tracce ricche di complessità e realtà sonora. Ciò che colpisce è la capacità della band di mantenere l'ascoltatore coinvolto per l'intera durata dell'album, trasformando ogni ascolto in un'esperienza diversa e memorabile.
Accoglienza e Recensioni da Critici Musicali
Il ricevimento di "The Similitude of a Dream" da parte della critica è stato estremamente positivo, con molti recensori che lodano l'album per la sua ambizione e la ricchezza musicale. Le recensioni hanno evidenziato la qualità della scrittura e la maestria dei musicisti, mettendo in risalto come ogni elemento si combini per creare un'esperienza complessiva potente. Molti hanno sottolineato come l'album rappresenti un punto culminante nella carriera di Neal Morse e della sua band, consolidando ulteriormente la loro posizione nel panorama musicale. Con la sua capacità di evocare emozioni profonde e riflessioni, questo lavoro si afferma come un'opera imprescindibile per i fan del genere.
In conclusione, "The Similitude of a Dream" non è solo un album, ma un viaggio emozionale che esplora la condizione umana attraverso la musica. La Neal Morse Band, con le sue risonanze uniche e le esperienze narrate, offre al mondo una visione coinvolgente della propria essenza artistica. L'album si configura come un must per gli appassionati di Rock Progressivo e rappresenta un capitolo significativo nella discografia di Neal Morse.