PROGRESSIVE ROCK. '70/ '80/ '90 e oltre - Neo Prog. Psichedelic Prog. Heavy Prog. Crossover Prog. Symphonic Prog. Italian Progressive Rock. Eclectic Prog. Rock.
(QUESTA MUSICA TI SALVERA' LA VITA)
G E N E S I S M A R I L L I O N
Nel panorama musicale contemporaneo, il progressive rock sta vivendo una rinascita, attirando l'attenzione di nuovi ascoltatori e appassionati del genere. È in questo contesto che i Moonsoon, una promettente band Norvegese debutta con l’album «East of Asteroid». Questa opera ambiziosa non solo unisce art-rock e neo-prog, ma rappresenta anche un viaggio sonoro attraverso atmosfere sognanti e influenze storiche, come quelle della Psychedelic / Space Rock di fine anni ’60 e primi anni ‘70. Se siete pronti per scoprire un nuovo interessante capitolo del rock progressive, continuate a leggere questa breve recensione per scoprire ciò che caratterizza questo album straordinario.
Con la loro proposta innovativa, i Moonsoon emergono come una band che ha enormi possibilità di crescita nell’ambito della scena musicale odierna. Con il loro album di debutto «East of Asteroid», i membri della band, tra cui il talentuoso Helge Nyheim, promettono di stupire. Prepariamoci quindi a un'immersione nel loro universo musicale, dove ogni traccia si trasforma in una nuova esperienza emotiva, spingendo l'ascoltatore attraverso un viaggio indimenticabile. E’ infatti
raro imbattersi in un album che riesca a catturare l'essenza e la complessità del progressive rock in modo così affascinante come «East of Asteroid» dei Moonsoon. Con la loro fusion di art-rock, neo-prog e psychedelic prog, sensa però trascurare la melodia, questa band norvegese non solo rende omaggio a tanti influenti predecessori, ma reinventa anche il genere in chiave moderna. Dalla spavalda «Virtual Avenue» fino ai momenti più intimi di «Ones and Zeroes», ogni brano racconta una storia e invita l’ascoltatore a perdervisi.
In conclusione, il debutto dei Moonsoon con «East of Asteroid» si fa notare per la sua capacità di fondere sapientemente vari elementi del progressive rock, evocando le sonorità iconiche di band storiche. Ogni brano dell'album, da "Virtual Avenue" a "The Nasty Man", dimostra una ricerca musicale profonda e ben curata, sotto la guida di Helge Nyheim e Daniel Hauge.
Quest’album non solo segna l'inizio della carriera musicale dei Moonsoon, ma rappresenta anche una promessa di un futuro luminoso per la band. Con influenze che ricoprono un ampio spettro del panorama musicale rock, si possono già immaginare le loro performance avvincenti e intensamente coinvolgenti, pronte ad esplodere sui palchi delle loro esibizioni live.
In sintesi, «East of Asteroid» non è solo una celebrazione del passato del progressive rock, ma anche un segno distintivo dell'evoluzione musicale che i Moonsoon intendono perseguire. La loro abilità nell'integrare arrangiamenti complessi e momenti emotivi rende questa band un gruppo promettente da seguire attentamente nei prossimi anni, con l'auspicio che la loro musica possa essere ascoltata da un pubblico sempre più vasto.
"Maestro" dei Magic Pie è un opera destinata a ridefinire lo stesso concetto di progressive rock. Questa band non si è limita a suonare delle tracce, ma si è presentata come narratrice, guidando gli ascoltatori attraverso un'esperienza sonora senza precedenti. Il viaggio musicale, incentrato sulla ricerca di un accordo smarrito, intreccia abilmente note e arrangiamenti, dando vita a un racconto audace e innovativo, invitando gli ascoltatori a esplorare ogni sfumatura di questo lavoro straordinario.
Quando ci si immerge nell'universo di "Maestro", l'ultimo progetto dei Magic Pie, si ha l'impressione di varcare la soglia di una sala da concerto, dove la musica diviene protagonista. Quest’album non è semplicemente un insieme di brani, ma un'esperienza complessa che ritrae le emozioni umane attraverso melodie avvolgenti e ritmi cangianti. Con la sublime narrazione che si dipana in "OpusImperfectus Pt 1 e Pt 2", la band crea un'opera capace di evocare potenza e delicatezza, invitando ogni ascoltatore a sondare le profondità della loro creazione.
In un'epoca in cui la musica è spesso relegata a un semplice sottofondo, "Maestro" si erge come una maestosa opera, catturando l'attenzione e stimolando riflessioni profonde. Grazie a una raffinata architettura sonora e a una narrazione musicale avvincente, l'album invita l'ascoltatore a intraprendere un viaggio emotivo e intellettuale. Ogni traccia, sotto la guida di un "direttore d'orchestra" metaforico, si incastra perfettamente, rivelando una band che ha raggiunto una maturità artistica straordinaria.
Il lavoro si presenta come un viaggio concettuale che segue un direttore d'orchestra in cerca di un accordo scomparso. La narrazione dell'album si sviluppa attraverso le due parti monumentali di "OpusImperfectus", che costituiscono il cuore emotivo e strutturale del progetto. All'interno del disco, i Magic Pie intessono una storia sonora complessa, unendo elementi orchestrali a variazioni ritmiche e mutamenti d'umore, permettendo alla musica di evolversi in modo dinamico. L'ascoltatore ha l'impressione di seguire una composizione ben ponderata, in cui ogni traccia riveste un ruolo cruciale nel delineare l'intera narrazione.
Grazie a arrangiamenti sofisticati e a un'alternanza equilibrata di momenti intensi e passaggi introspettivi, l'album acquista una qualità quasi cinematografica, mantenendo al contempo la sua identità nel progressive rock. La sua capacità di catturare l'attenzione dall'inizio alla fine evidenzia come ogni elemento sia interconnesso e ogni scelta musicale sia studiata con cura. Le composizioni rivelano una band sicura di sé, consapevole della direzione che desidera intraprendere e della storia che intende raccontare attraverso la musica.
Ogni traccia si integra perfettamente nell'insieme, priva di eccessi o ampollosità. Si percepisce un equilibrio tra la maestria tecnica dei musicisti e la profondità emotiva che permea l'intero album. I momenti più intensi emergono laddove necessario, mentre le melodie sono concepite con attenzione, e la complessità si presenta naturalmente a servizio della musica. I Magic Pie si esprimono in un periodo di grande fiducia creativa, dando vita a un album finemente strutturato e ricco di dettagli, senza sacrificare un senso di spontaneità.
Sebbene possa essere prematuro affermare che questo sia il vertice della loro discografia, considerando la possibilità che l’entusiasmo iniziale influisca sul giudizio, è innegabile il peso artistico di quest’opera. La sua struttura dimostra un forte equilibrio, alternando passaggi potenti e incisivi a sfumature delicate, creando spazio per pause e momenti più raccolti, amplificando così la varietà dell’esperienza di ascolto. Questo contrasto tra forza e grazia fluisce con naturalezza, permettendo a ciascuna parte di trovare il proprio posto distintivo. Ciò che l'ascoltatore percepisce è il frutto di anni di esperienza, dedizione e un impegno costante verso un suono di alta qualità. Questo è un album maturo, concepito da musicisti che comprendono la propria identità e la sanno esprimere con chiarezza.
In conclusione, "Maestro" dei Magic Pie è un vero e proprio viaggio nelle profondità dell’animo umano. Grazie alla loro incredibile capacità di fondere melodia e narrazione, la band ha creato un’opera che sfida i confini del progressive rock. Ogni brano invita l’ascoltatore a tuffarsi in un universo sonoro ricco di sfumature, riaffermando che la musica può ancora stupire e ispirare.
Riassumendo, "Maestro" è un’esperienza musicale imprescindibile per chiunque desideri esplorare nuove dimensioni musicali. Con maestria, i Magic Pie riescono a trasmettere emozioni profonde e un senso di meraviglia, trasformando ogni ascolto in un’opportunità per riflettere sull’arte e sulla vita. Quest’album è destinato a rimanere nei cuori degli ascoltatori, testimoniando la potenza della musica come forma d’arte.
In sintesi, "Maestro" non solo ridefinisce il panorama musicale contemporaneo, ma offre anche una visione poetica del viaggio umano. Attraverso la loro maturità artistica e attenzione ai dettagli, i MagicPie ci ricordano che la musica ha il potere di unire e trasformare. Ascoltare quest’album rappresenta un’opportunità per andare oltre il quotidiano e riscoprire la magia intrinseca della musica.
Tracks list:
1) Opus Imperfectus Pt. 1 - The Missing Chord 18:22
Nel cuore della scena musicale norvegese, gli Agropelter si distingunp come un faro di innovazione nel rock progressivo. Fondato dal visionario Kay Olsen, questo progetto trascende la concezione di una semplice band, proponendo un’avventura sonora che unisce abilmente elementi classici e moderni. Ispirato da leggende del genere come Genesis e King Crimson, insieme a grandi compositori classici come Rachmaninoff e Beethoven, gli Agropelter invitano gli ascoltatori a intraprendere un viaggio emozionante attraverso sonorità uniche. Questa fusione di tradizione e avanguardia si traduce in un’esperienza musicale avvolgente.
Quando si pensa al rock progressivo, spesso si immaginano composizioni epiche e strumentazioni ricche, e gli Agropelter incarnano perfettamente l’essenza di questo genere. Sotto la direzione artistica di Kay Olsen, il gruppo riunisce talenti straordinari, tra cui rinomati musicisti come Jonas Reingold e Mattias Olsson. Utilizzando strumenti innovativi come il Mellotron e il Minimoog, ogni traccia dell’album si trasforma in una complessa narrazione sonora, esplorando nuove dimensioni musicali. Unitevi a noi per scoprire come gli Agropelter ridefiniscono le frontiere del rock, creando un ponte affascinante tra storia e modernità.
Immaginate di essere immersi in un universo musicale in cui la tradizione si fonde perfettamente con l’innovazione; questo è ciò che gli Agropelter offrono ai suoi ascoltatori. Con un sound che richiama le grandi orchestre dei maestri classici, e le audaci sonorità del rock progressivo, Kay Olsen e la sua formidabile squadra di musicisti danno vita a un’arte che supera ogni aspettativa. Ogni composizione è progettata per intrigare, con melodie accattivanti e una complessità dinamica che avvolge l’ascoltatore in un abbraccio sonoro unico.
Gli Agropelter rappresentano un progetto di rock progressivo nato dalla mente creativa di Kay Olsen, un nuovo protagonista nella vivace scena musicale norvegese. La loro musica trae ispirazione da icone del periodo prog, come Genesis, Camel e King Crimson, e dai grandi compositori classici quali Rachmaninoff, Beethoven, Bach, Vangelis e Terje Rypdal. Gli ascoltatori possono aspettarsi una ricca presenza di Mellotron, organi Hammond, ARP, cembalo, Minimoog e pedali per basso Taurus. Kay Olsen ha registrato tutte le chitarre, il basso, l’organo da chiesa e le tastiere, collaborando con musicisti di talento come Jonas Reingold al basso fretless, Mattias Olsson alle percussioni e al synthvintage, e Andreas Sjøen alla batteria, insieme a vari artisti classici per gli strumenti ad arco e fiati. Il disco è stato mixato e masterizzato dal talentuoso Jacob Holm-Lupo.
Gli Agropelter vanno oltre il concetto di band; è un viaggio sonoro che cattura l’essenza del rock progressivo contemporaneo, unendo tecniche moderne a una ricca eredità storica. Sotto la guida di KayOlsen, il gruppo trova la sua identità in un panorama musicale in continua evoluzione, portando freschezza e originalità in ogni nota. L’album promette di trasportare gli ascoltatori in un mondo sonoro caratterizzato da intricate trame melodiche e paesaggi sonori avvolgenti. La combinazione di strumenti tradizionali e sintetizzatori vintage crea un’atmosfera che riecheggia le epoche passate, mentre invita il pubblico ad esplorare nuove dimensioni musicali. Ogni brano si sviluppa in una narrazione sonora ricca di temi complessi e variazioni dinamiche, proprio come i capolavori che hanno ispirato la band.
In sintesi, "The Book of Hours" degli Agropelter non è solo un album; rappresenta un viaggio affascinante attraverso complessi paesaggi sonori, dove il genio compositivo di Kay Olsen e la maestria degli altri musicisti si fondono in una proposta musicale avvincente. Invitiamo tutti gli amanti del rock progressivo a immergersi in questa esperienza, poiché l’arte degli Agropelter promette di risuonare a lungo nei cuori di coloro che l’ascoltano.
In un mondo in cui la musica è spesso relegata a semplici melodie di intrattenimento, LarsFredrik Frøislie riesce a elevarla a una forma d'arte profonda e riflessiva. Con il suo secondo album da solista, “Gamle Mester”, Frøislie ci invita a un viaggio sonoro che abbraccia non solo la tradizione del rock progressivo, ma si intreccia anche con l'arte, la letteratura e la mitologia. La genesi di questo progetto è radicata nell’antica quercia “DenGamle Mester” di Krødsherad Prestegård, un simbolo di saggezza e resilienza, che diventa il fulcro attorno al quale si sviluppano le intricati narrazioni musicali di Frøislie. Preparati a scoprire un'opera che non solo intrattiene, ma ispira anche una profonda riflessione sulla creatività e sul trascorrere del tempo.
Quando si parla di musica che va oltre il semplice ascolto, “Gamle Mester” di Lars FredrikFrøislie emerge come un capolavoro che fonde abilmente note evocative e testi incantevoli. In questo album, il compositore non si limita a rendere omaggio ai precursori del rock progressivo, ma ci conduce attraverso un'esplorazione ricca di riferimenti mitologici e artistici. La presenza dell'albero “Den Gamle Mester” non è solo un simbolo, ma diventa il fil rouge di una narrazione che attraversa le varie tracce, culminando in composizioni memorabili come “De tre gratier”. Preparati a essere trasportato in un universo sonoro dove ogni canzone offre non solo musica, ma la possibilità di contemplare esperienze e emozioni universali.
La musica ha il potere di evocare emozioni che spesso trascendono le parole, e con “Gamle Mester”, Lars Fredrik Frøislie riesce a catturare questa essenza in un modo unico. Questo secondo album da solista è un tributo a quella continua evoluzione dell'arte che abbraccia l’influenza storica e culturale. Ispirato dall'albero secolare di Krødsherad e dalle antiche storie di bellezza e armonia, Frøislie ci guida attraverso un viaggio sonoro che inizia con l'intensa “Demring” e culmina in un canto epico. La fusione di rock contemporaneo e elementi classici testimonia non solo la versatilità dell'artista, ma invita anche gli ascoltatori a immergersi in un album che promette di lasciare un'impronta duratura nel panorama della musica progressiva.
In conclusione, "Gamle Mester" di Lars Fredrik Frøislie si presenta come un capolavoro che celebra l'eredità del rock progressivo, fondendo abilmente passato e presente in un'esperienza musicale senza pari. Attraverso un caleidoscopio di suoni e significati, l'album non solo intrattiene, ma invita a una profonda riflessione su l’arte e sulla creatività umana, lasciando un'impronta duratura nell'animo di chi ascolta.
Per riassumere, l'opera di Frøislie va oltre le semplici note musicali; è un viaggio emotivo che onora i grandi artisti che lo hanno preceduto e celebra la ricchezza delle tradizioni artistiche. "Gamle Mester" diventa così non solo una raccolta di melodie, ma un monumento all'immaginazione, invitando gli ascoltatori a esplorare le storie e le profondità della condizione umana attraverso una lente unica e innovativa.
Infine, "Gamle Mester" non è solo un album, ma un esperimento sonoro che sfida le convenzioni del rock progressivo e dell'arte stessa. Con il suo approccio creativo e riflessivo, Lars Fredrik Frøislie ci offre la possibilità di vivere un'esperienza musicale profonda e coinvolgente, destinata a rimanere nel cuore e nella mente di ogni ascoltatore, ben oltre l'ultima traccia.
I Gazpacho, una band norvegese fondata nel 1996, hanno sviluppato un'identità musicale distintiva che combina elementi di rock progressivo, art rock e musica ambient. Il loro viaggio musicale è iniziato in modo umile, ma nel corso degli anni hanno guadagnato un seguito internazionale, grazie alla loro abilità di creare composizioni complesse e atmosferiche. Con il passare del tempo, la band ha evoluto il proprio sound, incorporando riff complessi e testi profondi che esplorano l'esperienza umana. "Night", rilasciato nel 2007, rappresenta un punto culminante della loro carriera, riflettendo non solo le loro radici musicali, ma anche una nuova direzione artistica.
Nel corso della loro carriera, i Gazpacho hanno saputo coniugare melodia e progressione, creando opere che non solo affascinano, ma invitano ad una profonda riflessione. Sin dai loro esordi, il gruppo ha dimostrato una straordinaria capacità di sperimentare, con album che oscillano tra sonorità più ruvide e momenti di pura introspezione melodica. L'evoluzione del loro sound è evidente nell'album "Night", dove ogni traccia porta un peso emotivo significativo, suggerendo una maturità artistica che si è sviluppata nel tempo.
Tracce dell'Album:
1) "Dream of Stone"
2) "Chequered Light Buildings"
3) "Upside Down"
4) "Valerie's Friend"
5) "Massive Illusion"
L'album "Night" è stato accolto con entusiasmo dalla critica, lodando la capacità dei Gazpacho di combinare liriche profonde con arrangiamenti musicali complessi. I commenti positivi si sono concentrati sull'originalità e sull'atmosfera creata dai membri della band, rendendo ogni brano un viaggio sonoro unico. Il pubblico ha risposto calorosamente, riconoscendo il valore del lavoro e connettendosi emotivamente con i temi esplorati. Questa accoglienza ha permesso all'album di emergere come un classico moderno nella discografia della band.
In conclusione, "Night" dei Gazpacho non è solo un album, ma un viaggio emotivo che sfida e ispira. La band ha saputo raggiungere traguardi straordinari, costruendo un legame profondo con i propri ascoltatori. La capacità di fondere musica e significato in un'unica esperienza straordinaria è ciò che rende quest'opera un pilastro nella loro carriera e nel panorama musicale contemporaneo.
Line-up
Jan-Henrik Ohme - Voce solista e cori
Robert Johansen - Batteria e percussioni
Thomas Andersen - Pianoforte, tastiere, programmazione
Jon-Arne Vilbo - Chitarra acustica
Kristian Kromer - Violini, programmazione
Kristian Torp - Basso
Con
Kristian Skedsmo - Fisarmonica, mandolino, banjo, flauto dolce
L'album "From Silence to Somewhere" dei Wobbler segna un'importante pietra miliare nel panorama musicale contemporaneo. Con una fusione di Rock Progressivo, melodie vocative e una narrativa sonora avvincente, il gruppo presenta un a proposta artistica originale. Questo lavoro è caratterizzato da una varietà di elementi musicali che si intrecciano, creando un'esperienza immersiva per l'ascoltatore. La struttura dell'album è ponderata, con ogni brano che contribuisce a un tema più ampio, invitando a un'analisi dettagliata di ogni pezzo. In questo articolo, esploreremo le singole tracce e con una descrizione minima, esamineremo le strutture musicali, le armonie e le tematiche che rendono questo album così distintivo. L'album si apre con una chiara intenzione di trasportare l'ascoltatore in un viaggio sonoro unico. "FromSilence to Somewhere" è composto da quattro brani, ognuno dei quali contribuisce a un arco narrativo complesso. I Wobbler utilizzano una gamma di strumenti che spaziano dal pianoforte al flauto, infondendo ogni traccia con una energia vibrante. L'album si distingue per la sua capacità di mantenere viva l'attenzione, grazie ad una alternanza di sezioni melodiche e passaggi più virtuosistici. Questa varietà rende l'ascolto non solo piacevole ma anche intrigante, stimolando l'apprezzamento per l'abilità tecnica dei musicisti. La struttura di ciascun brano è elaborata e ben congegnata, con un attento bilanciamento tra sezioni strumentali e vocali. Il primo brano, ad esempio, si sviluppa attraverso diverse parti che si armonizzano tra loro, mantenendo un flusso coerente. I Wobbler utilizzano ritmi complessi e cambi di tempo che arricchiscono la progressione musicale. Questa attenzione ai dettagli crea un'architettura sonora che invita all'ascolto ripetuto. Ogni ascolto rivela nuove sfumature e complessità,rendendo l'album un'opera in continua evoluzione. Nel primo brano, le armonie si intrecciano magnificamente, creando un'atmosfera quasi magica. Le melodie sono sostenute da una base armonica ricca, permettendo ai vocalist di esprimere una vasta gamma emotiva. I contrappunti tra i vari strumenti offrono un'eco che amplifica la profondità delle composizioni. Ciò non solo arricchisce l'esperienza d'ascolto, ma genera anche una risonanza emozionale che è palpabile. Le scelte intime di arrangiamento rivelano un'attenzione meticolosa per l'equilibrio sonoro. Il secondo brano rappresenta un'evoluzione significante, spingendo i confini di ciò che il RockProgressivo può offrire. La complessità si manifesta in una serie di passaggi dinamici e cambi di tonalità, che abbondano in sorprese musicali. Le deviazioni ritmiche incoraggiano l'ascoltatore a rimanere attento e a lasciarsi trasportare dalle spire melodiche. La strumentazione rispecchia una maturità artistica, mostrando come i Wobbler sappiano unire innovazione e tradizione in maniera fluida. Questo brano in particolare evidenzia una padronanza timbrica che si traduce in una narrazione coinvolgente. Il terzo brano dell'album è caratterizzato da complesse interazioni strumentali che si intrecciano in modo affascinante. Questa traccia mette in evidenza il dialogo tra i vari componenti del gruppo, dimostrando la loro affinità musicale. Ogni strumento, dall'organo alle chitarre, gioca un ruolo cruciale nello sviluppo narrativo del brano. Le sezioni strumentali offrono momenti di pura estasi sonora, mentre le parti vocali conferiscono profondità e significato. L'interazione tra gli strumenti crea un tessuto sonoro ricco e stratificato, evidenziando la maestria del gruppo. Il quarto brano affronta tematiche profonde, invitando l'ascoltatore a riflettere su questioni esistenziali. Le liriche, intrise di simbolismo, si intrecciano con la musica per creare un'esperienza profondamente emozionale. Le armonie vocali, unite a una strumentazione delicata, conferiscono una sensazione di introspezione. Questo pezzo culmina in un'esplosione di suoni che rappresentano la ricerca di significato e di connessione umana. L'intensità emotiva di questo brano lo rende il punto culminante dell'intero album.
Valutazione complessiva dell'album e il suo impatto sulla scena musicale contemporanea
In conclusione, "From Silence to Somewhere" è un'opera che non solo manifesta la creatività dei Wobbler, ma pone anche interrogativi sul futuro del rock progressivo. La combinazione di tecnica, emozione e innovazione garantisce che l'album risuoni nel panorama musicale contemporaneo. Ogni traccia non è solo un pezzo musicale, ma un viaggio che coinvolge l'ascoltatore in una narrazione complessa. L'impatto emotivo e la qualità artistica di quest'opera suggeriscono che i Wobbler continueranno a plasmare il genere e a ispirare nuove generazioni di musicisti. Quest'album rappresenta un traguardo significativo e una testimonianza della potenza duratura del Rock Progressivo.
Tracklist:
1) From Silence to Somewhere
2) Rendered in Shades of Green
3) Fermented Hours
4) Foxlight
Line-up
Andreas Wettergreen Stromman Prestmo - Voce, chitarre elettriche ed acustiche, percussioni
Marius Halleland - Chitarre acustiche e d elettriche a 6 e 12 corde, Cori
Lars Fredrik Froislie - Hammond C3, Mellotron, Minimoog model D, Pianoforte a Coda, Solina, Rhodes MKII, Spinetta, Cori e tastiere varie
Il Rock Progressivo norvegese degli anni '70 si distingue per la sua capacità di fondere insieme una varietà di influenze musicali, creando un sound unico che ha contribuito a definire il paesaggio musicale dell'epoca. Questo periodo vide la nascita e l'affermazione di band che, attraverso l'esplorazione di nuove strutture e sonorità, sono riuscite a lasciare la loro presenza nella storia della musica. Ogni brano proposto in questo secondo volume della mia personale compilation dedicata al Progressive norvegese rappresenta un tassello importante per comprendere la complessità e la diversità del genere in quel decennio.
Rock Progressivo in Scandinavia - CD 7 (Norvegia)
CD 7
Tracklist:
01) Octopus - Ouverture Part.1
02) Saft - Couple of Freaks
03) Popol Ace - Soft Shoe Dancer
04) Ruphus - Second Corner
05) Akasha - Death Hymn
06) Ruphus - Pictures Of A Day
07) Prudence - Sleepy City
08) Flax - Crusaders
09) Dèja Vu - Burning Bridges
10) Popol Vuh - Mrs. Randalie
1) "Ouverture Part. 1" degli Octopus si apre con una sequenza ambientale che lentamente introduce l'ascoltatore in un mondo sonoro ricco e stratificato. L'utilizzo di sintetizzatori, abbinato a melodie ricercate e a un tempo variabile, rispecchia la tipica tendenza del rock progressivo a esplorare nuove dimensioni sonore. La composizione si distingue per la sua capacità di alternare momenti di pura sperimentazione a sezioni melodiche più accessibili.
Octopus - Ouverture Part. 1
2) "Couple of Freaks" dei Saft, rappresenta un eccellente esempio di come la musica possa trasportare l'ascoltatore in un viaggio emotivo attraverso l'uso di dinamiche contrastanti e texture sonore inaspettate. La struttura del brano è caratterizzata da un continuo alternarsi tra parti calme, quasi meditative, a esplosioni di energia, elementi che contribuiscono a creare un pezzo intrigante e ricco di sorprese.
Saft - Couple of Freaks
3) "Soft Shoe Dancer" dei Popol Ace, cattura l'attenzione fin dalle prime note grazie alla sua introduttiva melodia orecchiabile. Questo brano si distacca leggermente dalla complessità strumentale tipica del genere, focalizzandosi maggiormente su un suono accattivante e ritmi coinvolgenti. Nonostante ciò, mantiene diversi aspetti prog-rock grazie alla stratificazione degli strumenti e alla sperimentazione nelle strutturazioni musicali.
Popol Ace - Soft Shoe Dancer
4) "Second Corner" dei Ruphus è un manifesto della complessità compositiva e della virtuosità strumentale che caratterizzano il rock progressivo. Il brano esplora diverse atmosfere e dinamiche, passando da momenti di intima riflessioni a sessioni dal vigoroso impatto sonoro. La band mostra un'eccellente padronanza tecnica, abbracciando pienamente la libertà espressiva concessa dal genere.
Ruphus - Second Corner
5) "Death Hymn" degli Akasha si distingue per il suo inizio oscuro e misterioso, che prepara il terreno a un viaggio musicale profondo e contemplativo. La strumentazione, densa e avvolgente, si combina a testi esplorativi, creando un'atmosfera carica di tensione emotiva. Il pezzo emerge come un esempio potente della capacità del rock progressivo di raccontare storie attraverso la musica, facendo appello sia alla mente che al cuore dell'ascoltatore.
Akasha - Death Hymn
6) "Pictures A Day" dei Ruphus invita l'ascoltatore in un viaggio attraverso diverse scene musicali, ciascuna con i suoi colori e sfumature emotive. La struttura del brano è pensata come una suite, con sezioni che si susseguono in un flusso continuo, mantenendo sempre vivo l'interesse. La maestria nella composizione e negli arrangiamenti fa di questo pezzo un'eccellente rappresentazione della creatività e dell'innovazione del rock progressivo norvegese.
Ruphus - Pictures A Day
7) "Sleepy City" dei Prudence si caratterizza per le sue atmosfere sognanti e la raffinata tessitura melodica. Il brano si avvale di una struttura armonica ricercata che, insieme a liriche evocative, trasporta l'ascoltatore in un altra dimensione, permeata da una profonda sensazione di tranquilla malinconia. Il brano esprime appieno la tendenza del rock progressivo a esplorare tematiche liriche profonde accompagnate da una ricerca sonora costante.
Prudence - Sleepy City : https://music.apple.com/no/song/sleepy-city/1442402860
Prudence - Sailor Song (live)
8) "Crusaders" dei Flax si fa notare per il suo ritmo incalzante e la forte presenza di lenee di basso pronunciate, elementi che contribuiscono a definire l'identità unica del brano. L'arrangiamento strumentale, ricco e variegato, crea un fondale dinamico su cui si innestano melodie suggestive, dimostrando come il ritmo possa giocare un ruolo cruciale nella costruzione della tensione emotiva e narrativa di un pezzo musicale.
Flax - Crusaders
9) "Burning Bridges" Dei Dèja Vu presenta una struttura musicale audace, che integra elementi di rock, folk e persino ambient. La melodia è accattivante e si sviluppa attraverso variazioni tematiche e dinamiche che trascinano l'ascoltatore in un viaggio emozionale intenso. Il contrasto tra i momenti più eterei e le esplosioni sonore più intense rappresenta una delle caratteristiche distintive del brano, illustrando la capacità del rock progressivo di evocare un'ampia gamma di emozione.
Dèja Vu - Burning Bridges
10) "Mrs Randalie" dei Popol Vuh chiude la nostra esplorazione con una composizione che riflette la varietà e la ricchezza del rock progressivo norvegese degli anni '70. Il brano si distingue per la sua elegante struttura melodica e per l'uso innovativo di texture sonore che ne fanno un pezzo suggestivo ed immersivo. La band dimostra una grande sensibilità artistica e una profonda comprensione degli elementi che rendono il rock progressivo uno dei generi più affascinanti e complessi della storia musicale,
Popol Vuh - Mrs Randalie
In conclusione, in Norvegia, gli anni '70 rappresentarono un'epoca di sperimentazioni e innovazioni nel campo musicale. Il rock progressivo emerse come una corrente che rompeva con i canoni tradizionali, introducendo elementi di musica classica, jazz, e avanguardia. Questo movimento si allontanava dalla struttura verso-ritornello tipica della musica popolare, preferendo composizioni più lunghe, complesse e strumentalmente ricche.
Il rock Progressivo norvegese degli anni '70 sfoggia una ricchezza di espressione e un'audacia innovativa, testimoniata efficacemente dalle tracce scelte per questi 2 CD della mia compilation dedicata a questa regione. Questo periodo ha visto i gruppi norvegesi esplorare e spingersi, come accaduto in altri paesi europei, oltre i confini musicali tradizionali, creando capolavori complessi e stratificati che sfidano ancora oggi la nostra comprensione della musica rock.
Rock Progressivo in Scandinavia - CD 6 (Norvegia)
CD 6
Tracklist:
1) Ruphus - Day After Tomorrow
2) Popol Ace - Medicine
3) Aunt Mary - For All Eternity
4) Terje Rypdal - Over Birkerot
5) Host - Pa Sterke Vinger
6) Junipher Greene - Prelude: Take The Road Across The Bridge
7) Deja Vu - Flying
8) Folque - Arpa
9) Moose Loose - B.M.
1) Il brano "Day After Tomorrow" dei Ruphus è un viaggio all'interno della struttura dinamica e delle innovazioni armoniche. Questa traccia evidenzia una composizione eclettica in cui la band gioca con il contrasto tra tranquillità e esplosioni sonore, offrendo una dinamica che mantiene l'ascoltatore in stato di attesa e sorpresa dalla prima all'ultima nota.
Ruphus - Day After Tomorrow
2) La profonda analisi melodica in "Medicine" dei Popol Ace rivela un tappeto sonoro intricatamente tessuto, dove ciascuna nota e armonia sembra essere scelta con cura per contribuire a una narrazione emotiva attraverso la musica. La traccia si distingue per la sua capacità di amalgamare elementi di jazz, rock e musica classica in un tutto coeso, dimostrando le ampie capacità compositive del gruppo.
Popol Ace - Medicine
3) "For All Eternity" degli Aunt Mary su distingue per la sua profondità emotiva e per gli elementi distintivi che la rendono unica nel panorama del rock progressivo. Il brano si caratterizza per il suo incedere potente ma controllato, dove ogni strumento aggiunge sfumature emotive senza mai sovrastare gli altri, creando un equilibrio perfetto tra intensità e melodia.
Aunt Mary - For All Eternity
4) Terje Rypdal, con "Over Birkerot", porta l'ascoltatore in un'esplorazione sonora attraverso paesaggi musicali sospesi e atmosferici. Questo pezzo si distingue per l'uso magistrale della chitarra elettrica, che oscilla tra arpeggi meditativi e sfociate di energia pura, delineando una traccia che è tanto un viaggio esteriore quanto un'esplorazione interiore.
Terje Rypdal - Over Birkerot
5) La costruzione armonica di "Pa Sterke Vinger" degli Host rappresenta un quadro ricco di colore e sfumature sonore. Questa composizione si avvale di una struttura armonica multidimensionale che accompagna l'ascoltatore attraverso paesaggi cangianti, ora dolci e melodici, ora drammatici e intensi, offrendo un'esperienza d'ascolto tanto varia quanto coinvolgente.
Host - Pa Sterke Vinger
6) "Prelude: The Road Across The Bridge" dei Junipher Greene si presenta come una masterclass di composizione e arrangiamento. Il brano esemplifica un'impeccabile fusione di generi, passando con disinvoltura dal rock al jazz, alla musica classica, dimostrando una versatilità compositiva e una comprensione profonda dei vari stili musicali.
Junipher Greene - Prelude: The Road Across The Bridge
7) L'evoluzione ritmica in "Flying" dei Deja Vu mostra una band navigare con abilità tra melodie suggestive e ritmi complessi. Il brano sfida le convenzioni ritmiche, giocando con tempo e metriche in modo da creare un'esperienza ritmica vivace e imprevedibile che cattura l'essenza della ricerca e dell'innovazione del Rock Progressivo.
Deja Vu - Flying
8) "Arpa" dei Folque incorpora con maestria influenze folk all'interno del contesto del rock progressivo, tessendo una texture sonora che è allo stesso tempo antica e sorprendentemente moderna. La traccia fa uso di strumenti tradizionali in combinazione con elementi rock per creare un suono che è un ponte tra passato e presente, tra la terra e l'astratto.
Folque - Arpa
9) I Moose Loose in "B.M." dimostrano un'audacia e un'innovazione che rompono con le antiche convenzioni. Evidenziando un approccio sperimentale alla composizione, questo pezzo incorpora elementi jazz, funk, e rock in un'amalgama che stuzzica e sfida le aspettative dell'ascoltatore, lasciando un'impressione duratura dell'ingegnosità e della creatività senza tempo della band.
Moose Loose - B.M.
In conclusione, questi primi 9 brani rappresentano meravigliosamente la diversità e la ricchezza del panorama rock progressivo norvegese degli anni '70. Ogni composizione, con le sue particolarità e innovazioni, testimonia la vitalità e l'irrinunciabile desiderio di esplorazione che animava i musicisti di quel periodo, offrendoci un patrimonio culturale di inestimabile valore.
Lars Fredrik Froislie - Fire Fortellinger (Cover Back)
L'Innovazione Musicale di Lars Fredrik Froislie in Fire Fortellinger
L'introduzione al panorama musicale di Lars Fredrik Froisle apre un capitolo affascinante nel libro del rock progressivo. Membro fondamentale di band come Wobbler e White Willow, Froislie ha sempre avuto un'inclinazione per la sperimentazione sonora. Il suo album solista "FireFortellinger" incarna questa passione, esplorando nuovi orizzonti musicali con una peculiarità: la totale assenza di chitarre.
Caratteristiche Distintive di "Fire Fortellinger"
"Fire Fortellinger" non è semplicementeun album; è un'epopea musicale che sfida le convenzioni del genere progressive. Fuggendo dalla norma chitarristica, Froislie apre le porte a una vastità sonora inesplorata. Questa scelta audace evidenzia un'innovazione senza precedenti nel rock progressivo, dove la musica si fa portavoce di storie e atmosfere densamente ricche e complesse senza l'uso del più tradizionale degli strumenti rock.
L'Innovazione Senza Chitarre e l'Utilizzo delle Tastiere Vintage
L'assenza di chitarre in "Fire Fortellinger" non èun limite, ma piuttosto un trampolino di lancio per l'innovazione. Froislie si avvale della sua vasta collezione di tastiere vintage per creare tessiture sonore che vanno ben oltre ciò che una chitarra potrebbe offrire. Dal mellifluo suono del Mellotron alle vibrazioni nostalgiche del Minimoog, passando per la delicatezza del pianoforte Rhodes, ogni strumento contribuisce a costruire un universo sonoro distintivo, così come l'uso del Clavinet attraverso un amplificatore, l'uso dell'organo con un pedale Fuzz, del Chamberlin (tastiere a nastro magnetico)per simulare le chitarre acustiche. Nell'eclettico arsenale di froislie, spicca la collaborazione con Nikolai Haengsle, il cui magistrale uso del Basso Rickenbacker impreziosisce l'album con nuances e dinamiche inaspettate.
L'Esperienza di Froislie nel suo Studio e la Descrizione Poetica del Chamberlin
Nel 'Sacta Sactorum' del suo studio domestico, l'entusiasmo di Froislie per i suoi strumenti traspare in ogni nota suonata: La sua affinità per il Chamberlin, ad esempio, va oltre il mero suono. E' una connessione emotiva, dove le sfumature acustiche ed elettromagnetiche si amalgamano a ricordi e sensazioni, rendendo l'esperienza di suonare un viaggio sensoriale senza eguali.
Il Confronto con i Lavori Precedenti e le Riflessioni su "Fire Fortellinger"
Confrontando "Fire Fortellinger" con le sue precedenti incursioni musicali in Wobbler e WhiteWillow, emerge chiaramente come quest'album rappresenti l'essenza più pura della visione artistica di Froislie. Un'opera che, pur radicata nelle tradizioni del prog rock, spazza via ogni confine per esplorare nuove dimensioni musicali. E' un lavoro che riflette l'ampiezza della creatività di Froislie e il suo continuo desiderio di sperimentare, creando musica che è allo stesso tempo familiare e straordinariamente nuova.
Breve Recensione dell'Album
L'universo musicale creato da Lars Fredrik Froislie in "Fire Fortellinger" si propone come un viaggio attraverso quattro paesaggi sonori distinti, ciascuno dei quali conduce l'ascoltatore in profonde riflessioni storiche, mitologiche e naturalistiche. Le ambientazioni e le tematiche degli episodi musicali spaziano dal mitologico Ragnarok, a un giardino rinascimentale, passando per la metafora del cavaliere eterno fino ad arrivare alla maestosità di una montagna invernale. Froislie, con maestria, riesce a far convivere la severità della natura con la delicatezza dell'esperienza umana, in un'opera che trascende il tempo e lo spazio.
1) Rytter Av Dommedag
La prima composizione, "Rytter Av Dommedag", affonda le sue radici nella mitologia nordica del Ragnarok, l'apocalisse degli dei. Il risveglio di Re Rakne dal suo tumulo in Romerike diventa metafora della rinascita, della distruzione e del ciclo eterno della natura e della vita. L'approccio compositivo di Froislie porta all'attenzione i conflitti interni ed sterni che si manifestano nell'eterna lotta tra antico e nuovo, tra dimenticato e ricordato.
2) Et Sted Under Himmelhvelvet
"Et Sted Under Himmelvelvet" invita l'ascoltatore in un viaggio enigmatico in un giardino rinascimentale, forse nei dintorni di Firenze o nell'idilliaca Arcadia. Questa narrazione sonora esplora il tema der dèjà vu, della scoperta che il luogo che sentiamo nostro per la prima volta in realtà echeggia le vite dei nostri antenati. Froislie fa leva sulla nostalgia per luoghi mai visti e sull'eterna ricerca dell'uomo di connessioni con il passato.
3) Jaertegn
Con "Jaertegn", Froislie dipinge l'avventura frenetica di un cavallo e di un carro che, in una corsa disperata attraverso la foresta, si trovano all'improvviso vittime di un infortunio in concomitanza di un'eclissi solare. Questo evento sconvolgente trasforma i cavalieri in eterni vagabondi, condannati a vagare in un limbo oscuro, il cui solo barlume di speranza è l'illuminazione aurorale che, di tanto in tanto, rischiara la loro strada. La musicalità del brano riflette la tensione e la disperazione della loro eterna ricerca.
4) Naturens Katedral
La chiusura dell'opera, "Naturens Katedral", è un inno alla solitudine e alla bellezza delle montagne norvegesi durante i mesi invernali. La capacità descrittiva della musica riesce a trasportare l'ascoltatore in queste lande desolate, dove il freddo e la neve dominano incontrastati. Questo pezzo non è solo un omaggio alla natura in una delle sue forme più austere, ma riflette anche una nostalgia per un'esistenza umana in armonia con l'ambiente circostante quando la vita seguiva i ritmi dettati dalla terra.
In "Fire Fortellinger", Lars Fredrik Froislie ci dimostra come la musica possa essere un potente veicolo narrativo, capace di trasportare l'ascoltatore attraverso epoche e paesaggi senza tempo. La complessità emotiva e l'impressionismo paesaggistico di quest'opera restano come testimoni della profondità dell'espressione artistica di froislie, permettendoci di esplorare territori sconosciuti sia fuori che dentro di noi.
The Windmill - "Mindscapes" "Mindscapes", l'ultimo lavoro in studio della rinomata band norvegese The Windmill,rappresenta un viaggio musicale che trascende le convenzionali frontiere del rock progressivo. Caratterizzato da un equilibrio squisito tra melodia e complessità tecnica, questo album segna un punto di svolta nella discografia della band. La narrazione sonora, intricata e ricca, invita l'ascoltatore a immergersi completamente nelle sue dinamiche e sfumature. Panorama di "Mindscapes" L'album si apre con una traccia che imposta immediatamente lo stato d'animo e le premesse per un'avventura sonora inusuale. Con "Mindscapes", i The Windmill proseguono la loro naturale evoluzione sonora, coniugando armoniosamente elementi tradizionali del prog con sperimentazioni audaci. La capacità di narrare storie attraverso i loro strumenti rimane una delle caratteristiche distintive della band, dimostrando una maturità e una profondità artistica che pochi riescono ad eguagliare. Analisi dettagliata del brano d'apertura La traccia d'apertura "Fear" (22:47), serve come porta d'accesso al mondo di "Mindscapes", stabilendo un dialogo intimo con l'ascoltatore. Gli accordi iniziali, accompagnati da una delicata tessitura di tastiere, preannunciano un viaggio emotivo e musicale senza precedenti. La band dimostra fin dai primi momenti una padronanza della dinamica e dell'arrangiamento che rende ogni passaggio, dal più tenue al più esplosivo, una scoperta continua. Analisi dei brani successivi dell'album "Calton Hill", una composizione che riflette sul passare del tempo, mescolando nostalgie e speranze, con un impressionante sezione ritmica. "I Still Care", offre un'esperienza quasi cinematografica, con suoni che evocano le meraviglie naturali del nord e la loro effimera bellezza. "Nothing in Return", un pezzo complesso che esplora i temi del viaggio interiore e della ricerca di sè attraverso metafore musicali intricate, racchiudendo in sè l'essenza emotiva e compositiva di tutto l'album. La capacità della band di amalgamare le esperienze vissute nei precedenti brani culmina in una composizione che è allo stesso tempo un addio e una promessa di avventure future. "Nothing in Return" lascia l'ascoltatore in uno stato di contemplativa soddisfazione, desideroso di ripetere l'esperienza sonora. Confronto con l'album precedente "Mindscapes" mostra una crescita sostanziale rispetto al suo predecessore. Se gli album precedenti della band erano caratterizzati da un forte imprinting melodico e una spasmodica ricerca armonica, con "Mindscapes" i The Windmill abbracciano una maggiore libertà espressiva. Le strutture dei brani sono più fluide, la varietà timbrica più ampia e l'introspezione lirica più profonda, segnando un'evoluzione che mantiene fedeli i fan di lunga data pur attirando nuovi ascoltatori. Evoluzione sonora della band L'evoluzione sonora dei The Windmill si manifesta pienamente in "Mindscapes", dove ogni brano rappresenta un colore diverso della loro cromia musicale. La band ha saputo mantenere la propria identità, arricchendola di nuove sfumature e influenze, testimoniando un processo di maturazione che poche band del loro genere possono vantare. Quest'album segna quindi non solo un punto di arrivo ma anche di partenza verso nuove esplorazioni musicali. Considerazioni finali e raccomandazioni "Mindscapes" è, senza dubbio, un capolavoro del rock progressivo contemporaneo che esalta le capacità narrative e compositive dei The Windmill. Rappresenta un punto di riferimento per gli amanti del genere e un'esemplificazione lampante dell'abilità della band di reinventarsi e crescere. Consigliato calorosamente a chiunque apprezzi la musica pensata e suonata con genuina passione e perizia, "Mindscapes" è un viaggio da intraprendere con gli occhi chiusi e il cuore aperto.
Jordsjo è il fiore all'occhiello della Karisma Records. La band formatasi ad Oslo in Norvegia, per i suoi lavori trae ispirazione da diversi fantasiosi fattori. Si ispira un pò ai vecchi film horror, alla sinthmusic tedesca degli anni '70, al jazz norvegese, alla musica popolare svedese, ai romanzi fantasy ed infine anche alla natura norvegese.
Seguendo la tradizione del miglior rock nordico del secolo scorso, i Jordsjo riescono a fondere il rockprogressivo con il folk creando fantastiche melodie, attraverso un viaggio musicale dai passaggi minimalisti del mellotron fino alla piena tempesta rock.
"Salighet" è il quarto vero e proprio album in studio della band. Sette nuove tracce, che compongono quello che si preannuncia essere uno dei più grandi album prog del 2023. Con Salighet, i Jordsjo percorrono un viaggio tra vette ed abissi musicali, esplorando diverse forme di estasi attraverso varie composizioni e testi fantasiosi. Che si tratti di una danza, di una escursione in montagna, di una fiaba, di riflessioni religiose o di altri tipi di viaggi interiori, in un colorato suono folk-sinfonico. La musica è un contrappunto alla vita quotidiana mondana e desidera mostrare il mistero e le realtà alternative, con grandi dinamiche e drammaticità, sempre alla ricerca di una buona melodia.
Anche Salighet trae ispirazione dal jazz nordico e dalla musica folk, dalla musica classica del 1900 e dal rock di fine anni '60 e '70 in piena espansione sensoriale, creando la propria potente miscela musicale.
La band è composta dal polistrumentista Hakon Oftung ( The Chronicle of Father Robin, Ex Tusmorke, Black Magic ) e dal batterista Kristian Froland.
Tracks Listing:
1) Invokasjon 2:50
2) Sankeren 7:20
3) Salighet I 6:15
4) Salighet II 6:10
5) Ura 6:40
6) Danseritualer fra Jordsjo - Prosesjon & Ekstase 2:60
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